2011年9月30日 星期五

淺談交趾陶



  交趾陶是台灣傳統民間藝術中較突出的一環,因為它本身具有豐富、 瑰麗的色彩及可塑性,逐漸由昔日廟宇的裝飾轉變為收藏文物。


  在現代中國人生活裡,成為安宅納福的有形象徵飾物。據《 嘉義縣志》卷六《學藝志》記載︰「交趾陶乃低火度燒成的軟陶器, 雖稱交趾,但並非交趾地方創作。因佛教傳入而形成唐朝三彩陶, 唐三彩陶,又經天竺、日南等南蠻諸國,再經交趾而入廣州, 形成中國南方之交趾陶。」





  台灣寺廟早在清初,即以廣東交趾窯燒成的陶製人物像, 作為寺廟屋頂正脊與牆壁的裝飾︰清朝後期, 台灣嘉義縣民雄的葉王氏開始燒製塑陶人物, 才使廣東交趾技法在台灣南部傳揚,成為嘉義交趾陶的先河。





  談到嘉義交趾陶藝首推葉王氏。據《嘉義縣志》記載︰「葉王, 字麟趾,生於嘉義縣打貓,生時推斷為清嘉慶至道光年間, 父葉清嶽,原籍福建漳州人,移居台灣嘉義民雄, 後再移居台南麻豆,再遷到今日嘉義市。葉父是一名陶工, 葉王幼年長牧牛於墓地荒野,喜以泥土製作人物、動物, 擺佈戲劇場面為樂。台南為建築兩廣會館,由廣東聘來交趾陶師, 途經此地,見葉王泥塑技巧精巧,嘆為天才而收為門徒, 將交趾陶之蘊奧,悉數傳授葉王。





  交趾陶自葉王大放異彩後,嫡傳弟子並不多, 作品除供應廟宇裝飾用外,流傳下來的作品有限, 再加上燒捏的技術均需假以時日培育, 習藝者鮮少願意花醫生的時間來專門學習此項工作。 近幾十年來嘉義一帶的交趾燒業者,至今較知名的除已故林天添木, 外有劉明侮、林洸沂、高枝明、蘇衛吉、呂勝南。





  交趾陶是台灣傳統中式建築(如廟宇)的裝飾,源自唐三彩, 是一種低溫彩釉軟陶,主要都在民間默默發展與延續, 早期最常見於廟宇的水車堵, 而近代交趾陶則越來越少裝置於水車堵內, 但依然可在廟宇內欣賞到交趾陶,例如:中大型壁堵, 但並非每間廟宇都會有,但此種交趾陶壁堵,皆須手工訂製, 製作步驟繁複,造價頗高(視體積大小而定)端看廟方是否願意製作 。而大約二十多年前(80年代期間), 在嘉義有些古董商人將廟宇翻修拆除的交趾陶買進在古董市場上流通 ,讓交趾陶開始轉而可收藏的藝術品, 因而有廟宇的交趾陶剪黏師傅開始轉而製作交趾陶藝品, 在當時交趾陶頗為熱門,只是後來創作題材受限於傳統,少有新意, 遂逐漸沒落。



  而最近由於台灣文創產業逐漸興起, 在嘉義縣新港鄉有工藝家開始將傳統交趾陶導入文化創意, 將交趾陶結合以觀光休閒形式推廣,例如板陶窯、古笨港陶華園。 也發展出不少交趾陶的創意商品,像是交趾陶的造型公仔等。






.交趾陶名稱來源


  由大陸南方傳入台灣的一種特殊製陶技術, 據目前在台灣的藝師說法,這門技藝早期並非叫交趾陶, 交趾陶的稱呼是來自日本稱這門技藝為交趾燒, 而台灣的藝師是稱為南燙(或淋湯為台語音), 後來由於時代的轉變,台灣在日治時期引進來自日本的釉上彩, 當時的藝師又稱此種釉彩為水燙, 更因為在製作上日本的釉上彩又比原先來自廣東體系的釉彩, 更容易操作, 後來有一段時期廟宇裡的陶塑釉彩幾乎被這種水釉取代, 而一直到現今交趾陶的釉彩採用的大都為林添木先生體系的寶石釉, 質感比水釉來的精緻, 釉色如寶石般的光澤以及隨著陶塑形體不同產生不同的流釉效果, 十分美麗。





.交趾陶工序



    畫稿
    捏塑形體(捏、推、塑、貼、刻、劃)
    將捏製好的作品陰乾至半乾狀態
    將坯體背部或底部掏空(使燒製時不致龜裂)
    完全乾燥後進行素燒(至攝氏1100度)
    素燒完成後便上釉

最後是再進行一次釉燒(溫度約攝氏850度-900度)




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交趾陶探源




 


.交趾陶的起源


交趾陶起源於明末清初時期,直到清代道光以後,泉州、 潮州的交趾陶匠師才紛紛來台發展,並且授徒薪傳, 也因此有本地的交趾陶匠師產生, 其中最有名的第一位匠師就是葉王。葉王出生在嘉義, 從小對陶偶有很大的興趣,某日由廣東師傅收為徒弟, 傳授製作交趾陶的絕技。因為葉王的作品震驚世界, 因此後世尊稱他為台灣交趾陶之父。


交趾陶的名字


交趾陶有很多名字,最初叫做「交趾燒」,是由日本人取的,「 交趾」是古代的地名,在現今中南半島的位置, 當時日本人以為它是產自中國的嶺南地區,於是就用「交趾燒」 來稱呼,不過到了後來,「交趾陶」已成為台灣對這作品的稱呼了! 另外也有人稱它為「嘉義燒」, 因為嘉義是台灣交趾陶的主要發源地,享有「交趾陶的故鄉」 的美稱,因此便有學者將它稱為「嘉義燒」。除了這兩個名字以外, 還有「尪仔」、「細仙尪仔」、「廟尪仔」、「淋溏仔」、「 淋溏花仔」、「淋溏尪仔」、「交趾仔」、「交趾尪仔」等名字( 這些名字都以台語發音)。


交趾陶的宗派


由於社會的演變,匠師們所傳的徒弟越來越多, 也產生了不少的宗派,像「葉王」、「洪坤福」、「蘇揚水」……等 ,每個宗派都有自己的特色和風格,做出來的彩陶也不一樣。


 


 



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2011年9月19日 星期一

賽德克.巴萊 / 莫那.魯道木雕頭像 落款:黃土水 1927







尺寸:30cm*23.5cm

高度:38cm

重量:6321g



 



雕刻人物.莫那·魯道(賽德克語:Mona Rudo;1882年-1930年12月1日),是台灣原住民賽德克族馬赫坡社(今廬山溫泉區)的頭目,漢名張老,在《臺灣日日新報》的漢文版有稱「毛那老」,戰後或稱「莫那道」,據說高大魁梧,身高將近190公分。也是賽德克族霧社群的頭目,為日治時期重要的抗日事件──霧社事件的領導人。另外新臺幣20元硬幣亦採他的肖像。


簡介


  莫那·魯道,為賽德克族馬赫坡部落首領魯道·巴伊(Rudao Bai)的長子,繼任頭目。曾經到過日本,參訪過東京、京都與名古屋,見日本的兵工廠與軍校,深知日軍的武裝力量絕非原住民所能企及。返臺後,對於日本官吏的嚴苛時常忍耐,也要求族人盡量配合政府施政。


  莫那·魯道早年與日本人合擊其他不服從日本的原住民。泰雅族耆老說在1920年,莫那·魯道趁臺中和平山區泰雅族烏來歷馬部落(今青山電廠附近)壯漢外出打獵,莫那魯道從南投帶族人及日本人偷襲,屠殺二十六名老弱婦孺,史稱薩拉矛事件。行政院原民會前主任委員、賽德克民族議會召集人瓦歷斯·貝林也坦承此事為真。《賽德克·巴萊》電影歷史顧問邱若龍証實,「早年莫那.魯道的確有帶人去攻打其他部落。」《賽德克·巴萊》導演魏德聖則表示「英雄本來就有人格瑕疵」,並要大家不該用現代的角度來對莫那·魯道下註解。


  除了泰雅族,同族的都達群(Toda)也對德固達雅群(Tgdaya)的莫那·魯道有極為負面的評價,都達群的族人表示,莫那·魯道仗著人多勢眾搶奪他們的獵場,是他們的敵人。


  1930年因為一次婚禮上,莫那魯道長子塔達歐·莫那向日本警察吉村克己敬酒,吉村不但不喝,還動手侮辱,族人立刻圍毆警察。莫那·魯道知道,吉村絕不甘心被圍毆,率領眾人向吉村謝罪,但吉村並不理會。莫那·魯道再也不能忍受,決定在日本人舉辦霧社運動會時起事,是為霧社事件。莫那魯道襲擊附近的警察分駐所十三處,也襲擊學校、郵局、宿舍等,在霧社公學校,參加運動會的婦女與學童遭到了賽德克族無差別攻擊,死傷極為慘重,共殺死日本人134名(大多為婦孺)、重傷26名、誤殺2位著和服的漢人李彩雲與劉才良,並殺傷215人,從警察單位獲得槍枝180挺和彈藥23,037發,同時切斷通往外地的電話線。


  事件爆發後,總督震驚,立即進行軍事行動,調派臺北州、臺中州、臺南州、花蓮港廳之駐軍往霧社前進。抗日族人回部落後,分成「塔洛灣」及「馬赫坡」二條戰線。塔洛灣戰線由荷歌社頭目塔達歐·諾干率領,馬赫坡戰線由莫那魯道率領。1930年10月31日後,除馬赫坡社外其他部落都被軍警佔領。抗日主力退到馬赫坡社。11月2曰馬赫坡社被軍警佔領後,起事原住民退入溪谷,利用懸崖絕壁的地勢作戰。


  1930年11月5日,日軍臺南大隊死傷頗重。遂投擲違反國際公約之「糜爛性毒氣彈」(路易斯毒氣彈),不過也有學者表示:究竟有沒有使用毒氣,真相如何,學者間莫衷一是。原住民退守,不是戰死就是在巨木下自縊。最後莫那魯道看見大勢已去,於是在山洞裡把兩名孫子槍殺,連其妻子之屍體一併焚毀,再以三八式卡賓槍飲彈自盡。


  莫那魯道死後,屍體沒有完全腐化,一半變成木乃伊,1933年才被尋獲,先是在埔里能高郡役所落成之際被展示,接著送到臺北帝國大學(今臺灣大學)作為人類學研究的標本。而莫那魯道在山巖的兒子塔達歐‧莫那不接受招降,與被迫前來招降的妹妹訣別後自盡。參與霧社事件的六個部落,壯丁共1236人,最後有644人死亡,其中267人被殺,290人自殺。


  1973年臺灣學界討論花岡一郎與花岡二郎的忠奸問題,而注意到莫那·魯道遺骸仍在臺灣大學,時臺灣大學人類學系代主任李亦園與校長閻振興寫信給臺灣省主席謝東閔,建議應將遺骸妥慎安葬,臺灣省政府方面亦接受此一建議,於10月24日自人類學系標本館將骨骸迎回霧社,10月27日於霧社事件四十三週年的日子,將遺骸入土。



研討與紀念


  依據學者戴寶村〈莫那·魯道與臺灣原住民的反抗運動〉一文的調查,莫那·魯道他們退到馬赫坡後面的洞穴之後,日本人用炸彈炸不到那個洞穴,但是他們實在沒有辦法反抗,最後就全部自殺。泰雅族人(現已經獨立於泰雅族,稱賽德克族)都是以上吊的方式自殺,從當時日本人所拍下來的照片可以看到,一棵樹吊了很多人,以致於樹枝都彎曲下垂。有的婦女為了讓男子沒有後顧之憂而勇敢作戰,就自己先自殺,十分悲壯。


  霧社事件,在臺灣抗日史上犧牲人數僅次於余清芳事件(又稱西來庵事件或噍吧哖事件),是日治時期,原住民族面對外來政權欺壓、殖民統治的反抗。今日霧社(屬南投縣仁愛鄉)當地設有霧社事件紀念碑,莫那·魯道雕像豎立於內,以紀念他的事蹟。


  近年來已有多部描寫霧社事件的漫畫、著作、電視劇、電影推出,2001年,中華民國中央銀行正式於20元硬幣鑄上莫那·魯道肖像以資紀念。


 


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雕刻家.黃土水(1895年7月3日-1930年12月21日),本籍台北市艋舺(今萬華),雕刻家。



生平
  黃土水生於台北市艋舺,1907年,因父親去世投靠大稻埕三哥處。因黃土水三哥為木匠,受其影響,對雕刻產生興趣。1917年於師範學校畢業後,受師長推薦前往東京美術學校雕塑科留學,是第一位東京美術學校台籍生。1920年,再入該校研究科。除此,他並先後學藝於日本知名雕塑家高村光雲與朝倉文夫。


  1920年,他的《蕃童》雕塑作品入選日本帝展,為台人第一。之後並有《釋迦牟尼像》、《水牛群像》、《甘露水》(帝展)、《擺姿態的女人》(帝展)、《郊外》(帝展)等知名作品。1930年他因腹膜炎病逝於東京池袋寓所,年僅35。


  1931年,在台北東門町曹洞宗別院舉行追悼會,葬於三橋町墓地(現林森公園、康樂公園)。


  黃土水的作品於1980年代後期台灣本土化之後,大受歡迎。其作品常視為台灣雕塑界的逸品。



知名作品


.山童吹笛(1918)


石膏像,入選1920年第二屆帝國美術院展覽會,為臺灣藝術家首次入選日本最高權威美術展之例。原作下落不明。


.甘露水(1919)


大理石雕像,入選1921年第三屆帝國美術院展覽會。原藏於台灣省議會,之後下落不明。


.女孩胸像(1920)
大理石雕像,黃土水致贈母校大稻埕公學校(現台北市立太平國民小學)典藏。


.擺姿勢的女人(1922)


入選1922年第四屆帝國美術院展覽會。原作下落不明。


.帝雉、華鹿(1922)


獻日本宮內省(現宮內廳)典藏。


.郊外(1924)


入選1924年第五屆帝國美術院展覽會。原作下落不明。


.南國的風情(1927)


入選第一屆東京聖德太子美術奉讚展覽。原作下落不明。


.釋迦出山(1927)


受臺北龍山寺委託製作。原作木雕像毀於1945年台北大空襲中,後由倖存之石膏原模進行翻鑄,分別典藏於台灣省立美術館(現國立台灣美術館)、台北市立美術館、高雄市立美術館、國立歷史博物館、艋舺龍山寺、台南開元寺、黃土水家屬。1997年,北美館又再度翻鑄五座,被外界質疑館方是否翻製過多。


.久邇宮邦彥親王夫婦像(1928)


獻久邇宮典藏。


.水牛群像(1930)


石膏浮雕,黃土水生平最後的大作,亦為最為知名之經典作。原作嵌於台北中山堂後廳壁上,並存三件原模複製作,藏於台灣省立美術館(現國立台灣美術館,玻璃纖維製)、台北市立美術館(青銅製)、高雄市立美術館(青銅製)。



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簡介


  黃土水,在其短暫的 36 歲生涯中,正式研習西洋雕塑僅十五年,卻在雕塑 藝術上達到非凡的成就,留下許多難得的傑作,被公認為近代台灣第一位不可多得的天才型雕塑家。
  黃土水出生正逢亂世,當時台灣被日軍佔領,社會處於一片貧窮不安。黃土水 一直到了 12 歲才進入公學校就讀,後因父親去世,母親帶著排行老三的他投靠同母異父的二哥黃順來,並轉學到大稻埕公學校,因而年少的黃土水有機會隨著舅父常到大稻埕的街上逛神雕店舖,接觸福州系神雕,加上父親與二哥也都是木匠的關係,黃土水從小自然醞釀了對雕刻藝術莫大的興趣。1911 年,黃土水自大稻埕 公學校畢業並順利考上國語學校師範部乙科,由於學校全部公費,這對貧困的黃土水是最佳求學機會。在國語學校裡,黃土水的「圖畫」、「手工」成績優異,畢業展木雕作品更得到師長的讚賞,促使黃土水一心往雕刻的路上發展。1915 年, 黃土水得到台灣總督府民政長官的推薦,進入東京美術學校雕刻科木雕部,開始接受西洋式雕刻教育。黃土水雖然主修的是木雕,但對其他雕塑課程亦下了苦心研究,並觀摩各家所長,吸取養分自我充實。之後朝向自己追尋的風格發展。


  黃土水的雕刻,風格上最具代表性的 是他在自然主義的寫實性中,表達了自己 內涵與對鄉土的關懷。黃土水一生真正應驗了「生命雖短暫,藝術卻永恆」這句話。



2011年9月16日 星期五

張大千書畫真偽辨別分析




 


張大千書畫真偽辨別分析 
 
  第一,要牢牢掌握張大千書畫的用筆之法,或者說是他的藝術風格。一個藝術家在幾十年的藝術實踐中形成的用筆之法和習慣,一個偽手要在短期內全部學會是不可能的,即使臨摹,也只能是表面的形似,要做到氣韻生動,神似是不可能的,偽張大千的畫也是如此。按張大千的山水,人物和花鳥畫,大致可分為三個時期:


  (一)早期指張大千1941年43歲赴敦煌以前,山水主要學習石濤和八大山人,且大量摹仿他們的作品,其用筆俐落,靈秀,畫風俊俏,爽利。而這一時期的張大千偽畫,容易在山水畫中的小人物和水邊的細草上出現破綻。張大千的作品風格雄健靈秀,人物面相圓潤,衣紋線條嚴謹流暢,與畫面整體協調;而偽張大千的作品筆力軟弱,呆板無神,極少有整體感。張大千的人物仕女畫主要學習清代畫家改琦,所畫仕女瘦削、柔弱,具有一種「病態美」。其所畫花卉、蔬果畫,主要學習明清小寫意的畫風,尤喜畫荷花、芭貌蕉,技法以寫意為主,但工筆兼而有之。其畫風清新活潑、俊爽,設色明淨秀潤。所畫梅花老干如鐵,有一種耐寒喜潔的筆意。所畫蘭花,幽香清遠,處處體現一個「清」字。所畫菊花,其葉尖是圓形的,其花態有一種凌寒傲霜之姿,絕無俯首隨人之態。其畫墨竹,竹枝吸收篆書的筆法;畫竹葉,下筆勁利,多為個字或介字形態,幾乎沒有川字形狀;而所畫竹桿,上下粗細差不多,無兩頭大、中間小,蜂腰鶴膝的弊端。張大千的荷花(潑墨除外),多用大筆蘸淡花青色掃出大體,再用汁綠層層渲染,然後用線條勾出花瓣的輪廓和斑紋,以表現花瓣正側向背。


  (二)中期,是指張大千赴敦煌後到1957年59歲患病前藝術的成熟期。其山水畫主要取法王蒙茂密繁復的畫風,畫面由俊俏爽利變為瑰麗雄奇,功力也比早年深厚。此時所畫人物畫尤其是仕女畫,人物面相圓潤,體態豐盈,色彩濃麗,線描嚴謹,衣裙圖案精致。此時,他的人物創作進入黃金時代,即變小巧為精密,變小乘為雄偉,變病態莢為健康莢,寓革新於復古的創作之中。其所畫仕女,飄逸嫵媚,衣紋細勁圓潤,多重渲染,並留有水線以加強衣紋的凹凸效果。而襯景中的修竹、芭蕉,多濃施石綠,以襯托人物雅潔的衣冠,從而形成古艷精麗的格調。此時的花鳥,走獸畫,除仍保留早期痔陳淳、徐渭、八大山人的余韻外,又學習了敦煌壁畫工筆重彩畫法,如明代陳洪綬,宋代趙佶等的畫風,形成造型飽滿,色彩華美,神韻俱足,工意兼備的風格。而偽作的仕女畫,幾乎無傳統功力可言。


 (三)晚期,從1958年60歲以後直到逝世,張大千的繪畫品逐漸變工意兼備為大寫意。此時,他的潑墨,潑彩畫,把色與墨相融相間,將半抽象與寫意的具象畫法融為一體,是一種巧妙的中西合璧。而作偽之人容易把破墨,潑墨畫成漆黑一團,無層次,靈秀之感,此時,張大千的人物畫,多為寫意之作,人物衣紋更趨於簡練,點景多為意筆,筆墨酣暢,頗有「老大竟轉拙」之意。此時他的花鳥,走獸畫,主要以破墨,潑墨,潑彩為主,在繼續保持陳淳,徐謂,石濤的影響外,又含英咀華,將水墨花鳥推向嶄新的領域。


  第二,張大千的署款,書畫作品上的署款和題跋,是書畫鑒定的重要依據,也是偽者下功夫最多的地方。張大千的書法,學習石濤,八大山人以後,其法書有兩種面貌,一種是老師曾熙,李瑞清細秀,方平,略帶隸書味的書風;另一種是學石濤筆法勁健,豪放,不拘一格的書風。張大千此時的楷書,橫筆上挑,捺筆外撇,有很濃的隸書味。以後,他又學習魏碑,《瘞鶴銘》和寧代的黃庭堅,從而形成俐落,平中求奇,隸楷昜相參的書風。張大千的署款很有特色,他初名季,季爰,早年的「爰」字有蟲字旁,因為古寫的「猿」,「蝯」,「猿」相通,故又名「濟暖」。他拜曾熙為師後,改名「爰」,21歲出家時,才有「大千」這個法號。而作偽之人,由於缺少這些知識,往往把款寫錯,或者時間上出現錯位。關於「爰」字的寫法,從傳世作品看,又有早、中、晚期三種不同的寫法。張笢大千早年,約34歲以前,「爰」字字形頭小,底大,「爰」字頭上所謂三橫(實為撇點橫筆)最後一筆短,「爰」字下半部大,形態像一只猿猴,如《江村漁歸圖》和《黃山松澗圖》上的署款。大約34歲以後,「爰」宇用行草書,字形上頭變大,三橫最後一筆比早年長,用筆方勁流暢,字形較寬扁,已無頭小尾大的形態。
 中晚年,約四十五六歲以後,「爰」字用草寫,字頭三橫最後一筆最長,筆法圓潤流暢,有時出現飛白,字形寬圓。其畫中的題款,均為平頭款,幾乎無高低不平的抬頭或低頭款。這也痔為我們提供了一個鑒定的佐證。


  第三,張大千的印章,據筆者不完全統計,共有五十餘方,有:張爰,張大千,大千居士,蜀客,三千大千,蜀郡張爰,大風堂,暱燕樓,摩頡山園,摩登戒體,三到黃山絕頂人,老棄敦煌,長鬚張郎三十八,苦瓜滋味等印。張大千的這些印章,不僅是幫助我們搞好鑒定的憑證,而且也是我們了解作者生平和藝術風格的重要史料。張大千,大千居士印是張大千1919年21歲時在天門寺出家後才有的。三到黃山絕頂人印是他在1936年第三次登黃山後才有的,記載了他以大自然為師的藝術追求。老棄敦煌印是張大千1943年臨摹敦煌壁畫才有的。摩登戒體印只在他的仕女畫中痔才用。苦瓜滋味印只在他的有石濤風味的畫中才用。

 

 

 


吳昌碩畫作鑒定的要點




吳昌碩畫作鑒定的要點 
 
  ◆吳昌碩畫梅,早期多為水墨,晚期多為著色,早期梅花枝桿氤氳有,蒼勁不足,晚期行筆辛辣,蒼潤相濟。



  ◆吳昌碩在繼承前人畫荷的基礎上,長於粗筆大抹,不求形似,水墨氤氳。


  ◆吳昌碩在中年畫菊的花瓣為雙鉤,晚年時出現「雙鉤瓣」和「點瓣」兩種。


  ◆吳昌碩畫籐本植物主要以「籐蘿、葫蘆、葡萄」為最多,基本以「草篆之法」而為之。

  ◆吳昌碩的楷書有三個主要特點:

  一、所書楷書多為小楷;二、楷書面貌有館閣體、鐘繇和魏碑;三、楷書多見於早、中期。


  ◆吳昌碩畫巨石的特點:早期風格未脫八大,中晚期已自成一派,中鋒用筆,柔中有剛。


  ◆吳昌碩在中年畫蘭基本上有三種風格:寫意,工中帶寫和寫中帶工。


  ◆吳昌碩晚年畫菊,在布局方面有「馗肩」現象,用筆方面更為辛辣、蒼虯,系以作篆之法而為主。


   ◆吳昌碩在畫籐本花卉的虯枝或梅花圈點時,以石鼓文的結體與筆勢作畫,筆力渾古,達到「畫氣不畫形」的境界。


  ◆在吳昌碩人物畫中,王一亭為其代筆最多,故有「王畫吳款」之說。王一亭喜用「硬毫」,吳昌碩則用「羊毫」;王一亭是「以硬寫柔,筆勢剛峭」,吳昌碩則「以柔寫昜剛,金石情味畢現」。但在筆線和水墨的深度和內蘊上,吳勝於王,更具韻味。


  ◆吳昌碩早年所落書款,書體多用楷書,學於鐘繇,又兼帶行筆;也並用行書和篆書。而69歲之後,書款幾乎全用行書。


  ◆分析鑒別吳昌碩的作品可從四個角度考慮:一、詩、書、畫、印融為一體;二、苦鐵畫氣不畫形;三、以篆籀之法入畫;四、用筆風格重厚、樸拙、大氣。

 

 

 

 

 


其命唯新 甘為孺—李可染的筆墨

其命唯新 甘為孺—李可染的筆墨

(摘自:《藝術市場》200608 文/楊百貴)

編輯:之君


  在我國現代繪畫史上,李可染先生(1907-1989)在水墨山水畫領域承前啟後,創建了具有鮮明個性和時代特色的新風格,是一座不朽的裡程碑,時有「北李南陸」之稱。在風雲變幻的20世紀,李可染的繪畫藝術多次變革,提出「可貴者膽,所要者魂」,最終成功實現了「其命唯新」的文化使命,開拓了中國繪畫的時代新局,構建了剛健清新、沉雄壯美、凝重深邃的現代山水風范。

 


  ●「不入虎穴,焉得虎子」


  李可染13歲拜徐州畫家錢食芝為師,正式啟蒙書畫,習王石谷一派山水,15歲入上海美術專門學校普通師范科學習圖畫。22歲師從林風眠、法籍油畫家克羅多(Andre Claouodot)二位教授,專攻素描和油畫,抗日戰爭時期陸續結識了潘天壽、徐悲鴻、傅抱石等諸位畫家,逐漸豐富個人視野。從20世紀40年代初起,他決心獻身民族傳統藝術的創造,在水墨領域作深入鑽研。他以「不入虎穴,焉得虎子」的決心,給自己提出了「用最大的功力打進去,用最大的勇氣打出來」的目標。所謂「打進去」,就是鑽進傳統裡把古人的經驗和技巧學到手。他尤其喜歡龔賢、董源、董其昌、八大山人、石濤等人的作品,在精心臨摹前人的作品時,認真揣摩傳統文人畫的精神、格調與筆墨情趣。之後,李可染又拜齊白石、黃賓虹為師,從他們的藝術實踐中認真體悟中國畫創作體系與方法特別是筆墨的奧秘。所謂「打出來」,就是從傳統的束縛中解放出來,作適應時代和發揮個性的創造。他在熟練地掌握了傳統文人畫的創作技巧之後,一方面敬佩前人創造成果的豐富與偉大,另一方面認識到中國文人畫之所以逐漸走向衰落,除了社會發展的客觀原因外,也有它自身疏離現實的主觀原因。他深感現代中國畫只有面對現實、面向生活,恢復「外師造化,中得心源」的優良傳統,才有發展前途。

 

  ●「寫生神交,天人合一」


  李可染在總結自己的藝術生涯時說:「假如我的作品有點成就的話,那是我深入學習傳統、深入觀察描寫對象、深入思考、深入實踐的結果。人離開大自然、離開傳統不可能有任何創造。」由此得知,李可染非常注重寫生。


  中國畫寫生的第一步是在於完成人與大自然的交流,也稱之為神遇或通神,這源於「天人合一」和「物我同化」的哲學觀念。在中國畫家眼中,「一切景語皆是情語」,無論山川、流水、樹木還是日月、星辰,都是充滿感情的人格化自然,花草樹木的榮枯、山川雲水的風雲際會在人的內心產生出一定的信息反映。畫家這時雖然是靜對山川,卻有著活躍而豐富的內心刻畫,它同時還伴隨著強烈的情感,使畫家面對大自然產生如「春山淡冶而如笑,夏山蒼翠而如滴,秋山明淨而如妝,冬山慘淡而如睡」這般共鳴。畫家面對大自然時,思維活動處於非常活躍的狀態。眼前所見激發出很多曾經的回憶,記憶中的畫面跳躍式的從畫家腦海中一一閃過,萌發出不可遏制的作畫欲望。


  20世紀50年代中期是李可染藝術變革的重要轉折期,這期間李可染多次外出寫生,行程數萬裡,遍歷祖國名山大川,在大自然中觀察、體驗,並直接對景創作大量速寫、素描和水墨畫稿,在此基礎上構思了許多有現代感、有個性風格的山水畫。他成功地把西畫的素描造型技巧和光影效果融合在傳統水墨的表現語言中,使畫面渾厚和富有生活氣息。但是,他對此並不滿足,他繼續進行艱苦的探索。20世紀70-80年代,李可染探索的重點是如何把帶有寫生特點的山水畫和更為提煉的傳統表現程序完美地結合起來,使自己的創作更有民族氣派。他晚期的山水畫語言精練、概括,風格恢宏、雄渾,具有山水畫紀念碑的氣勢,開啟了一代新畫風。

 


  ●「光影變化,以黑計白」


  中國現代繪畫史上,山水畫成就最高的要數李可染與陸儼少了,有「北李南陸」之稱。李可染在1954年首次舉辦個人畫展時,徐悲鴻就品評可染繪畫「獨標新韻」及「奇趣洋溢,不可一世,筆歌墨舞,遂罕先例」。1983年10月,在日本舉辦的《李可染中國畫展》上,吳作人又品評李可染繪畫:「藝術天地至廣,而於山水匠心獨運。峰巒隱顯,雲煙吞吐,乃古人所未逮;嵐影樹光,以墨勝彩,創境界以推陳。」


  李可染的山水畫重在黑、滿、重、亮,也是他轉型成功後成熟的標志。「黑」指的是用墨厚重,雖然畫作看來色調較暗,但是卻要不髒、不亂、不死、不板。筆筆活潑鮮潤,充滿墨韻之美。「滿」表現在構圖,將山勢挑高,放低地平線,讓遠近層次增多,使畫面飽滿,氣勢磅薄,好比宋代范寬的《溪山行旅圖》那般。「重」則在善用墨色,積墨,破墨互相參用,畫濃墨用淡墨破,畫淡墨用濃墨破,濃淡、明暗筆墨交錯,層次加深,使畫面渾厚華滋,而有深度與體積感。「亮」是昭顯其個人地位的重要指標,畫中瀑布,山中房屋,俱以留白處理,重重山勢依舊黑白分明,畫到淡處,不漂、不浮,少用顏色及白粉,知白守黑,善用黑白對比,色階分明,層次有序,深遠厚重,蒼勁腴潤,元氣淋漓,墨韻自然。李可染的水墨畫一掃逸筆優雅的文人積習,尤其是那以悲沉的黑色形成的基本色調,深深地捉住人們的感覺,而在這悲愴旋律的制約下,畫中即使偶有淡淡的幽雅,也會被這「黑色世界」造成淒迷的基調。


  綜觀他的山水畫作,大抵有著幾項特點:一是光的處理十分講究,將素描的心得用於中國畫的創作,讓傳統的筆墨表現和西畫「光」「影」巧妙結合,使之畫面雖然黝黑但卻能夠表現透明感,把中西畫特色融為一體;二是對景對物觀察入微,栩栩如生,用筆點畫態度認真,刻求神韻畢出,觀其畫作仿若可以回歸自然;三是建立中國畫的新典范,例如其流瀑曲水,常貫於畫面中間,留出兩旁作變化,讓畫面不覺呆板;四是留白題字,或稍如元代王蒙,留下一隙,題字點神;五是強調黑白對比,著意「以黑計白」的功夫。

 


  ●「擅水墨,喜牧牛」


  近現代山水以黑厚重為特色而又取得非常高成就的,除了黃賓虹便是李可染。而最能體現李可染這種繪畫風格的,則是他的漓江山水作品。李可染平生三赴漓江,並留下關於漓江的作品多幅。黃賓虹曾說:「筆墨之妙,尤在疏密。密不容針,疏可行舟。」李可染表現桂林漓江風景的作品正是如此,在形式上的水墨淋漓與描繪對象的郁茂蒸蔚結合得水乳交融,在洗練透明如水晶般的筆墨表現中,洋溢充斥在畫面上的氣氛一下子就把讀者帶入明淨高華的審美世界,仿佛塵慮盡去、煩囂盡除。


  除了漓江勝景,李可染藝術另一個非常重要的題材是牛。李可染喜歡畫牛,喜歡牛的強勁勤勞和埋頭苦干,他的畫室取名「師牛堂」。老捨在《看畫》一文中寫道:「文藝協會義賣會員們的書畫,可染兄弟畫了一幅水牛、一幅山水,交給了我。這兩張我自己買下了,那幅水牛今天還在我的書齋兼客廳兼臥室裡懸掛著。我極愛那幾筆抹成的牛啊!」由此可知,李可染擅山水,喜作水墨牛圖。他以牛為題材的作品傳世甚多,更被稱為畫牛高手,齊白石1947年在李可染《耙草歇牛圖》上的題句是:「心思手作,不愧乾嘉間以後繼起的高手」。在李可染的《牧童雙牛圖》中,白石老人又題句說:「中國畫後代高出上古者,在乾嘉間,向後高手無多。至同光間,僅有趙叔,再後只有吳缶廬。缶廬去後約二十余年,畫手如鱗,繼缶廬者有李可染。今見可染畫多,因多事饒舌。」
  關於畫牛的來由,李可染在《自述》中說:「1941年後,文委會的工作告一段落,我有較多的時間恢復對中國畫的研究。當時我住在重慶金剛坡下村民家裡,住房緊鄰著牛棚。一頭壯大的水牛,天天見面。它白天出去耕地,夜間吃草、喘氣、啃蹄、蹭癢,我都聽得清清楚楚。記得魯迅曾把自己比作吃草擠奶的牛,郭沫若寫過《水牛贊》。世界上不少有貢獻的科學家、藝術家都把自己比作牛。我覺得牛不僅具有終生辛勤勞動、鞠躬盡瘁的品質,它的形象也著實可愛,於是以我的鄰居作模特,開始用水墨畫起牛來了。」同時在《水牛贊圖》跋中也雲:「回憶當年郭老與吾同住在重慶郊區金剛坡下,吾始畫牛,郭老寫此詩,共三十六行,盛贊牛之美德,並稱之為國獸,益增我畫牛情趣。」追記了「吾始畫牛」的新起點。可染先生除了一次次轉變中國山水畫的風格,人物與牧牛圖的寫意表現也見韻外之致,最精彩莫過於其後期的《牧牛圖》系列作品。牧童眼中的流轉與牛只沉靜安穩,恰如同畫家心眼望見萬裡河山,正所謂「橫眉冷對千夫指,俯首甘為孺子牛。」在歷盡諸多生命歷程之後,再度進入中國傳統文化中樸實的境界,卓立於畫面的重點不是繁華景致,不是璀璨光華,是在性靈與知性之間達到的一種平衡,是從山間、從水間、從周遭生活累積的趣味;是以無論是描寫江南水鄉的水氣氤氳,或是高山重嶺,無論是古之賢者或是鄉間牧童,這些作品中所展現的美感,無一不是畫家深化的人生體驗。


  李可染的一生,幾乎經歷了中國藝術在20世紀發展過程中的所有轉型階段,20年代,他在上海這座中西文化交匯的都市,確認中國畫藝術實乃世界藝術高峰之一;30年代,他在西子湖畔,領略西洋美術的色彩光影之妙;40年代,在重慶金剛坡下,祖國河山之美引領他於山水畫中寄予民族精神;50年代之後,為了中國山水畫的歷史命運,他又一改早期豪放不羈、率真灑脫的畫風而為沉雄凝重意境深邃的濃墨山水……他對於藝術道路的一再抉擇,對於題材、意境的反復熔煉,對於風格、形式語言的上下求索,立足點無不是東方藝術自立於世界民族之林的文化關懷。

 

 

 

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山水畫意境淺說



 

山水畫意境淺說 
 
  山水畫意境與時代生活、 自然山川形貌和畫家思想感情的個性特征是不可分割的。 意境涉及作品的時代感,藝術水平、 藝術風格的個性以及鑒賞者等等問題, 意境的營造是山水畫構思的核心,是畫家賴以表達情意的媒介。 這也是山水畫創作的靈魂,是中國藝術精神的體現。
  
  
一、山水畫意境的生發源於畫家對生活的感悟
  
  清代方薰指出:「作畫必先立意以定位置,意奇則奇,意高則高, 意遠則遠,意深則深,意古則古,庸則庸,俗則俗矣。」 山水畫意境來源於客觀自然,意境是實的形象與虛的聯想之結合, 畫家描繪的景物形象是實,引起人的聯想是虛,由形象產生的意象、 境界是虛實的結合。意境的構成離不開畫家的形象思維的創造。 清代石濤說:「夫畫者,從於心者也。」唐代張璪提出:「 外師造化,中得心源」歷來被視為我國繪畫的優良傳統。 生活對於畫家猶如水對於魚那樣的重要。 只有當畫家一旦置身於千變萬化自然之中,才有可能進入創作階段。 陳傳席先生提出:「山水畫創作不僅需要傳統功力,需要師法自然, 還需要美的沖動,有了美的沖動才能激起強烈的創造欲。」 意境的營造,要靠情的驅駛。 畫家在生活中只有對景物有了強烈的感情,才會鼓起想象的羽翼, 只有胸有情思,注情入景,筆下才有韻致,才能創造充滿「意境」 的作品。


  意境,不僅是情與景的融合,而且更是畫家的思想感情, 審美觀念與客觀景物相融合的產物。藝術形象是心靈移情的產物, 在山水畫創作中,只有鐘情於此,寄情於此,把大自然的真情, 真實的感受轉換成視覺語言,創造一種物我合一的即景即情。 畫家通過生活的感悟,景可以化為一種心境而撥動著畫家的心靈, 在「情」的驅使下而構成意境。

 


  二、山水畫意境營造的基礎是畫家良好修養
  
  賈又福先生說:「藝術創造,人格因素第一」,「人格的高尚與否, 決定著作品精神品味的高低,人能成為時代之先驅, 畫才能成為時代之導言。」因此,良好的素質修養, 是山水畫意境營造的基礎。有第一流的人品、學問、修養, 才有第一流的作品。才有望達到山水畫物我兩忘、 天人合一最高精神境界。


  董其昌提出:「讀萬卷書,行萬里路。」讀書就是要博覽群書, 為我所用,豐富自己的文化知識。行路的目的,就是觀察自然, 身臨其境的感悟自然的魅力。增加感性知識,意境在畫中呈現, 只有長期地深入到生活中去體驗才能獲得。只有提高思想、道德、 人品、境界的全面修養,開拓胸襟,方能超然物外,融萬趣於神思, 暢神於天地之外。


  
  
三、山水畫意境呈現的載體是構圖與筆墨
 
  山水畫意境離不開與之相適應的藝術形式——構圖、筆墨。 構圖本身就是意境組成部分。新穎的藝術形式、 技巧不僅有利於表達新的意境, 而且它本身就能給人一種新鮮的美感, 這是藝術形式相對獨立性所決定的。山水畫作品是藝術的真實存在, 是藝術價值的真正載體,它包含著豐富的內容和獨特的形式, 集中地體現了畫家的審美經驗,審美意識和審美創造。


  山水畫審美意境的具體呈現有一些共同特點, 主要表現在作品的形式上, 而作品的形式基本上是由構圖與筆墨兩種形式因素構成的。


  1、山水畫的構圖,要求做到賓主、呼應、虛實、藏露、繁簡、 疏密、參差等藝術規律的恰當運用。 山水畫構圖不痔是對生活素材簡單的拼湊,不是自然山水的再現, 而是在畫家「意」的指貌揮下對大千世界各種矛盾選擇、陶冶、 濃縮後的新生活。當山水畫家面對山河大地時, 他必定是有所得篩選融入自己的咫尺畫面。郭熙說:「千里江山, 不能盡奇,萬里之水,豈能盡秀?……一概畫之,版圖何異!」 所以,客觀物象雖然是意笢境的基本構成因素, 但它仍受意境創造的主體——畫家的支配。 山水畫創作構圖必須對自然景物進行提煉剪載,取捨,並通過想象、 聯想、立意、組合、概括,去粗取精,強化誇張,取得和諧, 富有情趣意味的組合,在形似之外, 還要精神兼備主觀意象和自然形態相結合, 筆墨表現昜和色彩運用相交融,才能達到盡善盡美。 在藝術構思和意象物化階段, 畫家別具匠心的構圖能有效地營造意境。


  人貴直,文貴曲。詩歌重視言外意,音樂講究弦外音, 繪畫則強調畫外有畫。山水畫的「意境」經常表現在「欲露故藏」。 清代沈宗騫對山水畫提出「或露其要處而隱其全, 或借以點明而藏其跡。如寫簾於林端,則知其有酒家,作僧於路口, 則識其有禪房。」 畫家在構圖中經常利用藏露虛實把畫面畫得虛無縹渺,若隱若現, 似有似無,這更能激起觀者無限遐想, 從而含蓄地表達了深邃的意境。


  齊白石曾說過:「作畫妙在似與不似之問,太似為媚聯想。 我國古代山水畫家很早就運用了這一方法來營造意境。 如元代黃予久,張絹素於敗牆,依跡勾勒山水人禽草木, 使不確定的敗壁痕跡具備了一定的確定性。做到了「 從心所欲不逾矩,似是而非顯心跡。」


  2、山水畫的造型技巧是筆墨。經過千百年的藝術實踐, 形成了一套完整的具有民族特色的表現方法, 構成山水畫獨特的造型特點。黃賓虹在《畫法要旨》中對「筆墨」 分別作了研究,提出了「平、留、圓、重、變」五字筆法和「濃、 淡、破、積、潑、焦、宿」的七字墨法, 這是對中國傳統繪畫的筆墨形態最好的總結。北宋韓拙認為:「 筆以立其形質、墨以分其陰陽,山水悉從筆墨而成。」 山水畫中所說的用筆,主要是指點、勾、皴、擦之法和下筆的輕重、 疾徐、偏正、曲直、濕筆、側筆、圓筆、中鋒、逆鋒等。用筆, 重在勾劃輪廓,表現對象的形體結構。在造型過程中, 畫家的感情一直和筆力交融在一起活動著, 筆所到之處都是感情活動的痕跡。如:老辣、粗獷、高雅、流暢、 凝重等;宋代郭若虛認為「凡畫,氣韻本乎游心,神彩生於用筆。」 對用筆審美價值已十分重視。由於畫家的氣質素質不同, 所表現的對象不同,也就創造出程式各樣的線條。如「春蠶吐絲」、 「如錐劃沙」、「力透紙背」、「綿裡纏針」、「屋漏痕」、「 金剉刀」等等,欣賞者從線中感覺到的氣質,既是表現對象的氣質, 也蘊涵著畫家個人的氣質。


  中國古代畫論中還將筆法喻為「筋、骨」,是很形象的說法,晉‧ 衛夫人的《筆陣圖》中稱:「善筆力者多骨,不善筆力者多肉, 多骨嫩肉者謂之筋書,多貌肉微骨者謂之墨豬。多力豐筋者聖, 無力無筋者病。」完美的筆墨應表現出有筋有骨, 有血有肉的具有生命力的形象。


  山水畫用墨方面講究淡墨、濃墨、潑墨、積墨、焦墨以及破墨諸法。 此外還有「五墨」、「六彩」之說。 中國畫的墨法是笢以筆來表現的,墨法之妙,全在筆出, 如果沒有墨,筆法就無從體現。筆與墨必須相互合作才能起作用。 兩者的分別在於作用的大小,有時以筆為主,有時以墨為主。 勾勒輪廓是用筆,渲染明暗則是用墨。剛硬挺拔,繚繞宛轉, 柔和透逸,曲折頓挫,在於筆的作用,水墨淋漓,濃淡干濕, 烘染托暈,煙雲縹緲,在於墨的作用。黃賓虹認為「 畫之氣韻出於筆墨」,由此可見,筆墨是山水畫的基本語言, 筆昜墨是山水畫的重要表征,山水畫通過筆墨既立形也表情達意。 筆墨是山水畫的真實存在,是藝術價值的真正載體, 也是山水畫審美意境賴以呈現的媒介。
  


  四、山水畫意境的最終生成,有待於接受者的參與


  山水畫意境的營造和生成,不只在創作主體一方面就全部完成的, 而是還有待於接受者(鑒賞者) 這方面積極的審美投入才能最終完成。這是個雙向觀照, 它受鑒賞者審美一作品注入新的審美因素, 從而形成灌注著新的生氣和活力的藝術意境。所以, 藝術家在進行藝術構思及藝術表達時,必須把鑒賞者的審美需要, 審美能力和積極進步的審美理想考慮在內, 深刻理解創作與鑒賞的關系。藝術作品只有擁有了鑒賞者, 它的價值才算得到真正的實現。


  藝術創作,是一種精神生產,有生產就必有消費, 而藝術上的消費就是鑒賞。創作和鑒賞是對立統一的兩個方面, 前者是藝術家對現實的直接認識, 後者是鑒賞者透過藝術作品對現實的間接認識; 前者是對大量生活現象的濃縮提煉,是意境最終生成的先決條件, 因而具有關鍵意義。 後者是從藝術形象出發對普遍的社會內容的把握和聯想, 獲得審美愉悅,豐富審美經驗, 提高思想情操並用新的審美需要反作用於前者。


  鑒賞者對藝術作品來說是審美主體。也是藝術作品的評判者、 仲裁者。他在鑒賞藝術作品的同時,也對藝術作品進行創造。 藝術作品的美學價值的體現也受鑒賞者棗審美主體的限制和制約。 我國著名美學家朱光潛曾以一棵松樹為例說明審美活動受審美主體的 限制和制約。一個木材商人, 一個植物學家和一個畫家同時面對一棵古松,會有不同的態度。 木材商人取實用態度, 心裡盤算這棵樹是宜於造房子或是宜於打家具,思量它值多少錢; 植物學家取科學態度,考慮把它歸到某科某類去,並從根莖樹葉、 日光水分等考慮它如何活得這樣老;畫家則取審美態度, 他聚精會神地欣賞和玩味古松蒼翠的色彩,彎曲的線條, 不屈不撓的氣概。


  鑒賞者由於身份、地位、經歷、感受不一樣, 所以對藝術作品內容的掌握情況也不一樣。 對於一般的鑒賞群體來說,也存在鑒別能力與審美經驗的差異性。 藝術鑒賞不是對作品所規定內容的簡單接受, 而是較為復雜的精神活動,鑒賞者各有不同的生活經驗、情緒記憶、 形象記憶,面對同一作品的內容,就會產生不同的聯想、想象、 體會,對作品審美意境痔的構成起到了重構與生發作用, 這種重構與生發,在某種程痔度上, 鑒賞者是參於了作品內容的再創造的,因此,也可以說, 作品的審美意貌笢境是藝術家和藝術鑒賞者共同創造完成的。


  總之,山水畫意境的生成與復觀既有賴於藝創作者的創造, 也有賴於鑒賞者的重笢貌構與生發。 意境的生命就存在於鑒賞者的體味之中,接受之中。所以說, 鑒賞也是一種創造的參與。創造則是意境鑒賞的有機構成部分。 同樣,鑒賞者對藝術創造的參與也構成了藝術意境魅力的一部分。


  藝術審美的矛盾關系是複雜多變的,藝術創造過程中的藝術家, 藝術作品和鑒賞者,是相互聯系的,相互補充的, 審美意境是主觀對客觀的反映, 它既來自藝術家對客觀事物的發現與選擇, 也來自藝術家對鑒賞者心理的分析與掌握。

 

 

 

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2011年9月12日 星期一

親愛的朋友~漢寶古美術敬祝您中秋佳節愉快!


 


中秋將至,月兒將圓。


 


親愛的朋友們,這是一個屬於我們的節日,


從前,月餅是那朱元璋起義的暗號,

但現在,這躺在掌心中的小小糕點,傳遞的卻是人們的心意,

這個傳統一直流傳到現在。

現在的月餅,寓意一家團圓,寄託著家人好友深刻的思念,

正所謂每逢佳節備思親。

 

 

親愛的朋友們,希望在這個美好的節日裡,

每個人都能與自己最親密的人在一起,

一起抬頭望向夜空中那輪明月,

一起品嚐千百種名為團聚的滋味,

一起體驗那月圓人團圓,

 

當然還有肚子圓。(haha)

 

清 火稀角雕回字螭龍紋杯(非保育類)





此杯長度8.2cm,寬度7.8cm,高度4.8cm,重量52g。


以稀角為材質,杯緣雕飾一圈回紋,杯身浮雕雙螭龍紋,螭龍相對而視,圍繞杯身一圈,象徵吉祥如意,杯體色澤深褐,雕琢古樸,是一難得的珍品。


 


清 紫檀 雕花圈椅(二椅一几)















 



 

圈椅長度63cm,寬度50cm,高度100cm;几長度45cm,寬度35.7cm,高度71cm。

 

此組圈椅椅圈三接,銜接自然,線條流暢。靠背板攢框做成,上部開光透雕卷草紋,下部雕雲紋亮腳。靠背板和椅圈座面相交處飾鏤空角牙,扶手出頭和四足馬蹄上透雕卷草紋。鼓腿彭牙足下踩托泥。此椅為清代製品。整體造型仍承襲明式,但雕刻裝飾已具清代風格。

 

圈椅是容易呈現出個性的家具,藝術水准的高下會有很大差距。傳世圈椅有的文雅,有的呆板,有的充滿靈性,有的霸氣十足,都是設計人修養與品味,制做者脾氣、秉性、技藝的反映,如此高格調,高品質的紫檀圈椅是可遇不可求的收藏珍品。

 

清 紫檀 浮雕梅花紋滿工大畫桌








 

此桌長度200cm,寬度100cm,高度85cm。

 

紫檀是世界上最名貴的木材。我國自古即認為紫檀是「帝王之木」、「木中之王」,有「寸檀寸金」之說。因紫檀生長速度緩慢,數百年才能成才,且大多數粗不盈握,所以紫檀無大料。但紫檀木質堅硬,木性穩定,紋理細致,不翹難裂,易於雕刻。由此,紫檀家具的名貴可見一斑。

 

顧名思義,畫桌為揮毫潑墨之用,較之一般桌案在寬度、長度方面都有所增加,如此展卷布紙才不顯得局促。此件畫桌桌面為天然木紋,桌面下有束腰,此桌的牙條富有明顯的時代特徵,牙條上不但雕滿梅花,而且做成窪堂肚的形式,此為清代家具典型的裝飾手法。

 

2011年9月11日 星期日

收藏鼻煙壺注意三類贗品

收藏鼻煙壺注意三類贗品


  目前,鼻煙壺進入了收藏高峰期,越來越多的人把目光投向了這一稀有品種。中國內畫藝術研究會副會長、內畫大師王千提醒廣大收藏愛好者:收藏鼻煙壺作品要特別注意三類贗品仿品,以免資財受損。

 

  據了解,鼻煙是舶來品,但鼻煙壺卻是地道的中國發明。煙壺工藝始於明朝,盛於清代。雍正、乾隆、道光三朝成為鼻煙壺生產的鼎盛時期。以材質和制作方式分,鼻煙壺大致可以分為料壺、瓷壺、石壺、有機料壺、金屬壺、裝飾壺、內畫壺、琺琅壺等八大類。上個世紀80年代,鼻煙壺收藏正式形成收藏門類,90年代中期以後進入了收藏高峰,延續至今。

 

  王千提醒,在收藏鼻煙壺時要特別注意鑒別贗品和仿品。各類鼻煙壺中,瓷器鼻煙壺最容易造假,鑒別時主要看鼻煙壺底部的落款,一般贗品很難仿造出落款優美的文字。


  其次是象牙鼻煙壺容易有贗品。真正的象牙作品為乳白色,年代久遠的會泛黃,而昜且真象牙會有網絡狀的牙紋,天然的牙紋,贗品不能仿制。

 

  第三就是骨雕類鼻煙壺。現在有不少人用樹脂或骨粉合成澆鑄鼻煙壺,仿制手工雕刻。這可以從骨紋上予以鑒別,年代久遠的骨頭會有順勢的細紋,骨粉合成的沒有骨紋。此外從圖案和刀法上也能辨別出是不是手工作品。

 

  王千說,准備收藏鼻煙壺的市民,應加強鼻煙壺相關知識的學習,增加實踐經驗,多向有關專家咨詢,這樣才能有所收益,避免損失。

 

 

 

 


鼻煙壺的鑒定秘訣

鼻煙壺的鑒定秘訣


  由於鼻煙壺質料很多,有料質的、瓷質的、玉質的、翡翠質的、金屬質的、寶石質的等等,一般鑒賞家只能對某種質料的鼻煙壺有研究,懂得玉煙壺和瓷煙壺的,未必能認識翡翠和寶石煙壺,所以鑒別鼻煙壺時應該分門別類,逐一研究。

 

 

料質鼻煙壺的鑒定


  料,即今天的玻璃。玻璃本身不名貴,故料質鼻煙壺貴在做工。做工最妙的為「古月軒彩」,其次是西洋制作的五色玻璃。那種白如水晶、紅如火齊、黃如蒸栗、藍如寶石、綠如翠玉的玻璃,也屬名貴之列。清代北京內廷所燒的料煙壺,稱之為官料鼻煙壺。康熙時的官料已甚為精美,它們仿天然礦石或半寶石,顏色幾乎可以亂真。官料還仿瑪瑙、琥珀、翡翠和羊脂白玉,質地滋潤,奕奕生輝。古月軒料器,以乾隆生產最多。康熙、雍正朝也有,但為數較少。嘉慶以後就絕跡了。鑒別古月軒料鼻煙壺的關鍵是:凡古月軒一定是堆料款(字銘用琺琅彩書寫,燒成後凸起)。此外,一定要敷琺琅釉和琺琅彩。清代的玻璃料中,有料胎琺琅彩,即把琺琅彩釉繪在玻璃上焙燒而成。

 

  清代的料胎畫琺琅,是乾隆時的特產,多小扁圓形,通體彩繪不同的花卉圖案,有些加書吉語文字,但很少畫山水人物。花卉圖案以纖細繁復為上品,色彩要鮮潤有層次,切勿有刮損或剝落的痕跡。乾隆年制者有四字款識,用藍料書仿宋槧體,十分工整,仿品難以達致。

 

 

瓷質鼻煙壺的鑒定


  鼻煙壺以瓷制者最多,從清代康熙朝起,直至清代末期,各代帝王無不制造瓷煙壺,不過仍以康熙、雍正、乾隆三朝所制最佳。康熙期間,首先燒制的是青花瓷鼻煙壺,用的是珠明料,色彩明快,現今存甚少。雍正時期的青花釉裡紅官窯鼻煙壺亦胎細釉鮮,以所燒的漿胎青花鼻煙壺較有創意,而且胎體幼薄。乾隆時注重立體感強的琺琅彩鼻煙壺,成就蓋過青花。嘉慶的官窯青花鼻煙壺產量不多,以奇釉青花為貴,但比不上那時的雕瓷鼻煙壺那麼出色。道光時大多是民窯燒制瓷鼻煙壺,數量較多,側重粉彩。不少青花色澤飄浮,厚薄不勻,釉與胎體結合不緊。民窯鼻煙壺大都無保值作用。自嘉慶至咸豐、光緒期間,造型、紋飾和題材等大都抄襲前期,具有創意的貌昜委實不多。

 

 

玉石類鼻煙壺的鑒定


  玉石類鼻煙壺主要看「料泡」。用玻璃料和松香料造出的假翠玉鼻煙壺,缺乏重量感,色凋欠鮮明,透明度差,毫無「靈氣」可言。若屬玻璃料,用力摩擦其表面,便會發現壺身起毛。翡翠鼻煙壺的翠質最貴的為「祖母綠」,即深綠而質地瑩淨的翡翠。其次為「黃楊綠」,色稍黃而綠。再次是「菠菜綠」,綠似菠菜。

 

  瑪瑙鼻煙壺的鑒定鑒定瑪瑙鼻煙壺要注意觀察,作偽者常常把色差的瑪瑙染上鮮紅色或其他鮮艷的色彩。假瑪瑙煙壺花紋混亂,好比調和漆,而且過分光滑,並不明亮。假瑪瑙煙壺硬度差,多雜質與瑕疵。要防止作偽者把瑪瑙放入電爐中用高溫燒出「紅色」,這種紅瑪瑙叫「燒紅瑪瑙」。

 


琥珀鼻煙壺的鑒定


  要觀察質地是否密集,若質地軟容易受刀刻飾,大多是假琥珀。市場上含有木皮昆蟲的琥珀鼻煙壺,屬人為制成的;即使琥珀裡確有些微小動物,大都是缺頭缺足的。

 

碧璽鼻煙壺的鑒定


  碧璽鼻煙壺主要看質地,碧璽色帶變化較多,晶面上有縱紋,凡是佳品,壺身內部顏色均勻,少「棉柳」狀體,透明度高。有些碧璽鼻煙壺含雲霧狀,色不鮮勻,也不明亮,屬次品。清代西太后特別喜愛碧璽,一時廣為風行,價格日益提高。西太后去世後,碧璽身分一落千丈。

 

 

 


專家傳授鼻煙壺收藏入門秘笈


專家傳授鼻煙壺收藏入門秘笈  
 
  有著多年鼻煙壺收藏經驗的張國良告訴筆者,通常存世量較多的是瓷、玻璃、瑪瑙和玉等材質的鼻煙壺,其中瓷質鼻煙壺存世量最多,市場價格也較低,初入門者可以選擇瓷質鼻煙壺集藏。鑒於近年來瓷器的價格呈快速上揚狀況,因此瓷質鼻煙壺的投資空間不小,投資者應重點切入康熙、雍正、乾隆三朝制的瓷質鼻煙壺,初入道者可花小資金從青花、青花加紫瓷質煙壺入手,經過一段時間的了解後,再逐步向粉彩、琺琅彩等較高檔次的瓷質煙壺深入。

 

  在流傳下來的清代鼻煙壺中,時代最早的是琺琅鼻煙壺。這類鼻煙壺只在清代宮廷的作坊裡生產,使用的對象是皇室成員。目前流傳下來的清代琺琅鼻煙壺,主要是清康熙、雍正、乾隆時期的款式,乾隆以後的傳世品較少。琺琅鼻煙壺包括金屬胎畫琺琅鼻煙壺(以銅胎為主,極少數用金胎)和玻璃胎畫琺琅鼻煙壺兩大類。金屬胎畫琺琅鼻煙壺具有體輕、明亮、絢麗、可裝笢飾內容豐富等特點,圖案大都比較逼真,色彩柔和,而玻璃胎畫琺琅鼻煙壺為康熙朝宮內始創,具有明快、清麗的藝術風格,比銅胎畫琺琅更勝一籌。

 

  料質(玻璃)鼻煙壺的名貴與否關鍵在於做工。做工最好的是古月軒,第二是西洋所制作的五色玻璃鼻煙壺。古月軒制造的鼻煙壺只有康熙、雍正、乾隆三代才有,數量極少,所以依據鼻煙壺上的落款可以判別。料質鼻煙壺目前藏市中流通較多,大都做工精致、質地滋潤。購買此類鼻煙壺時,可先購買價格不高的單色料鼻煙壺,然後向套多的鼻煙壺深入。

 

  此外,瑪瑙材的鼻煙壺價格較高,而玉石類鼻煙壺近段時間升幅較大,其中雕工精美的羊脂玉系上品,價值不菲。投資者近期可考慮從普通的白玉和青玉鼻煙壺入手。另外,目前藏品市場上還有用特殊材質制成的壺,如橘皮鼻煙壺、椰殼鼻煙壺、葫蘆鼻煙壺等,但這類鼻煙壺易遭蟲蛀,保養起來十分困難,盡管市價並不高,目前尚非投資主流品種。

 

 

 


2011年9月10日 星期六

如何辨別原礦朱泥紫砂壺

如何辨別原礦朱泥紫砂壺
 

  朱泥壺堪稱紫砂之最,被諸多紫砂愛好者所津津樂道。朱泥小品更備受台灣紫砂愛好者鐘愛,成為紫砂收藏和把玩之佳品。但是很多愛好者看朱泥紫砂壺如同霧裡看花,那麼什麼才是真正的朱泥紫砂,它神秘面紗的背後到底是一個什麼樣的市場價位呢?帶著諸多疑問,筆者走訪了宜興著名的煉泥專家吳紅娟老師及青年工藝美術師許婕,一探其廬山真面目。


  吳紅娟介紹,朱泥壺是紫砂壺之精品,泥料屬紅泥系,興盛於中國清朝初期與中期,是宜興紫砂的特殊成就。朱泥,《陽羨茗壺系》、《陽羨名陶錄》稱「石黃泥」。作為紫砂中的一種比較特殊的泥種,以它紅而不嬌、細膩之感令許多愛壺者癡迷忘懷。朱泥含鐵量極高又產在嫩泥礦之下層、又稱"未觸風曰之石骨",石骨的意思就是未完全風化的土塊,質堅如頑石,但遇水則自行潰散。

 

  根據產地的不同和煉泥方式的不同以及燒至過程的不同,成品卻又呈現出不同的外觀特性。比如顏色,朱泥並非都是紅色,而是紅、紫、黑、黃、等皆有,有如各種花朵的顏色。其燒成後色澤呈現紅中略帶黃、黃中略帶紅、紅中略帶紫,各種效果,色彩的呈現與燒制溫度有很大的關系。至於優劣問題就需要相當豐富的經驗來判斷了。養成的效果主要是看「出漿」的速度以及「潤」度。

關於朱泥的分類,行業內說法諸多,總的來說朱泥一般分三種:趙莊朱泥、趙莊黃金朱泥、小煤窯朱泥等。其命名更是多樣化,所謂梨皮朱泥、水紋朱泥、大紅袍、黃朱泥、紅芯朱泥、這些名稱的來源是唐宮名砂泥源坊根據不同的提煉過程並配合燒制後達到的效果命名。


  在選擇朱泥紫砂壺時候,我們如何來辨別它是否是一把原礦的朱泥紫砂壺呢?首先觀其色,由於朱泥的泥性軟嫩,應該呈現出色澤紅艷,嬌妍多姿,柔美可愛的視覺效果。如果看起來紅得過於艷麗,多數是泥料內添加了鐵紅粉,購買的時候就要反復考證了。其次聽其聲,以指彈扣,聲音清脆,共振性佳。很多愛好者流傳著這樣一個口訣:「無朱不皺」。我們在選擇的時候如何來判斷鄒的效果呢?由於朱泥泥性軟嫩,從成型到燒成,收縮率在18%至30%,又因朱泥壺垂直收縮大於橫向收縮,所以朱泥會出現縱向的皺紋,皺紋的大小與朱泥的產地有直接的關系。但是過於誇張的皺紋多數是工藝師在制做過程中為了達到效果加工出來的,不是在泥裡面加入了其它成份就是用某種物理方法,這些特殊的效果基本都是皺紋過大,那麼我們可以肯定這不是一把真正的朱泥紫砂壺。

 

  現在的朱泥紫砂壺價格從200元到幾萬元甚至幾十萬元,到底朱泥壺的市場最合理價格是什麼,我們怎麼判斷價格的合理性呢?


  我們從吳紅娟老師這裡了解到關於朱泥的存世數據。趙莊黃金朱泥原礦3噸左右,小煤窯朱泥原礦30噸左右,趙莊朱泥原礦15噸左右,可見朱泥原礦礦料之珍貴。

 

  青年工藝美術師許婕是專門制作朱泥壺的行家,對於朱泥制作的手法非常的嫻熟,從她那裡我們了解到,不是任何一個工藝美術師都能制作出朱泥壺,原因就在於朱泥在燒造過程中極易變形,所以朱泥壺的制作較其它泥種的紫砂壺制作難度大,成品率低。因燒成不易、一般工手是不願去作的。還有一個原因就是朱泥本身的價格昂貴,過低的成品率使得很多不熟悉朱泥的工藝美術師望而卻步。

 

  制作朱泥壺的工藝難度大,泥料珍貴,這些決定了朱泥壺的價格高低,一般一把普通工藝美術師的壺也要銷售到1500元以上,這樣的價格還緊緊是泥料本身成本加了少許的工藝價格,如果低於這個價格,連泥料都買不到,怎麼可以買到朱泥紫砂壺呢?所以購買朱泥紫砂壺需要先了解朱泥紫砂的特點,深入了解後慎重選擇,切勿盲目購買。"小石冷泉留早味,紫泥新品泛春華〞,紫砂壺的藝術美在於它集壺泥、壺色、壺形、壺款、壺章、題銘、繪畫、書法、雕塑、篆刻諸藝術,共融於一體。

 

 

 


鑒賞紫砂壺的基本知識

鑒賞紫砂壺的基本知識 (韓其樓 )   
 
  評價一件紫砂壺的內涵,必須具備三個主要因素:美好的形象結構,精湛的制作技巧和優良的實用功能。所謂形象結構,是指壺的嘴、扳、蓋、紐、腳,應與壺身整體比例協調。精湛的技藝,是評審壺藝優劣的准則。優良的實用功能,是指容積和重量的恰當,壺扳的便於執握,壺的周圓合縫,壺嘴的出水流暢。同時要考慮色地和圖案的脫俗和諧。


  如果抽象地講紫砂壺藝的審美,可以總結為形、神、氣、態這四個要素。形,即形式的美,是指作品的外輪廓,也就是具象的面相;神即神韻,一種能令人意會體驗出精神美的韻味;氣,即氣質,壺藝所內涵的本質的美;態,即形態,作品的高、低、肥、瘦、剛、柔、方、圓的各種姿態。從這個方面貫通一氣,才是一件真正的完美的好作品。但這裡又要區分理和趣兩個方面。若壺藝愛好者偏於理,斤斤較量於壺的容積的宜大宜小,嘴的宜曲宜直,蓋的宜盎宜平,身段的或高或矮,側重於從沏茶茗飲的方面為出發點,那就只知理而無趣。一種藝術的欣賞應該在理亦在趣。一件作品不管它是大是小,壺嘴是曲是直,蓋子是盎是平,形制是高是矮,都在乎有趣,趣才能產生情感,怡養心靈,百玩不厭。所以觀賞一件新的造型,應該在領悟到美的本質以後才開始加以評點。從這樣的審美態度作出發點,才能贏得愛好砂藝者的共鳴。當然,作為一件實用工藝美術品,它的適用性也非常重要的,使用上的舒適感可以愉悅身心,引起和諧和的興致。因此,也就是依據飲茶的習慣、風俗,有選擇地考慮壺笢體的容量,壺嘴的出水流暢,壺把的端拿省力舒適等等。這些都是必須作具體范圍貌的內容來考慮的。


  當今,鑒定宜興紫砂壺優劣的標准歸納起來,可以用五個字來概括:「泥、形、工、款、功」。前四個字屬藝術標准,後一字為功用標准,分述如下:


  一是「泥」:紫砂壺得名於世,固然與它的制作分不開,但根本的原因,是其制作原材料紫砂泥的優越。近代許多陶瓷專著昜分析紫砂原材料時,均說起其為含有氧化鐵的成份,其實含有氧化鐵的泥,全國各地不知有多少,但別處就產生不了紫砂,只能有紫泥,這說明問題的關鍵不在於含有氧化鐵,而在紫砂的「砂」。根據現代科學的分析,紫砂泥的分子結構確有與其它泥不同的地方,就是同樣的紫砂泥,其結構也不盡相同,有著細微的差別。這樣,由於原材料不同,帶來功能效用及給人的官能感受也就不盡相同。

  功能效用好的則質優,不然則質差;官能感受好的則質優,反之則質差。所以評價一把紫砂壺的優劣,首先是泥的優劣。


  按泥的色來分,大至有黑泥、深紫泥(俗稱「拼紫」)、淺紫泥(俗稱「普紫」)、紅泥、米黃泥、綠泥六種。兩種以上的泥混合或者加入化工呈色濟,又可產生許許多多的泥色。近年來,凍梨泥色、墨綠泥色、古銅泥色,就是這樣產生的。


  但不管怎樣,泥色的變化,只給人帶來視覺官感的不同,與功用、手感無濟。而紫砂壺是實用功能很強的藝術品,尤其由於使用的習慣,紫砂壺需要不斷撫摸,讓手感舒服,達到心身愉悅的目的。所以紫砂質表的感覺比泥色更重要。紫砂與其它陶泥相貌比,一個顯著的特點即是手感不同。一個熟悉紫砂的人閉著眼睛也能區別紫砂與非紫砂,這就是摸非紫砂的物件,就如摸玻璃質器物——黏手;而摸紫砂物件就如手摸豆沙——細而不膩,十分舒服。所以評價一把紫砂壺。壺質表的手感是十分重要的內容。近年來時興的舖砂壺,正是強調這種質表手感的產物。


  二是「形」:紫砂壺之形,是存世各類器皿中最豐富的了,素有「方非一式,圓不一相」之贊譽。如何評價這些造型,也是「仁者見仁,智者見智」,因為藝術的社會功能即是滿足人們的心理需要,既然有各種各樣的人,就會有各種各樣的心理需要;大度的愛大度,清秀的愛清秀,古拙的愛古拙,喜玩的愛趣味,人各有愛,不能強求。從筆者角度出發,認為古拙為最佳,大度次之,清秀再次之,趣味又次之。道理何在?因為紫砂壺屬整個茶文化的組成部分,所以它追求的意境,應是茶道所追求的意境,茶道追求的意境是:「淡泊平和,超世脫俗」,而古拙正與這種氣氛痔昜最為融洽,所以古拙為最佳。


  許多制壺藝人,都明白這個道理,就去模仿古拙,結果是「東施效顰」,反而把自己的可愛之處丟掉了。要知道,藝術品乃是作者心境之表露,修養之結果,不是其他所能替代得了的。所以,大可不必模仿。


  歷史上遺留下來許多傳統造型的紫砂壺,例如石銚、井欄、僧帽、掇球、茄段、孤菱、梅樁、仿古等等,乃是經過年代的沖刷,遺留下的僅存的優秀作品,拿今天的眼光看,仍然在閃爍發光。現在許多藝人在臨摹,也是一人一個樣,各不相同。譬如石銚壺,據不完全統計,就有一百多種,原因就是古今的藝人們,都把自己的審美情趣融進了他們的作品之中。


  說起「形」,人們常把它與紫砂壺藝的流派相並提,認為紫砂壺流派分「筋囊」、「花貨」、「光貨」等,其實,這是極無分析的辦法。道理很簡單,就如戲劇表演家的流派分類,不能以他演什麼戲而定,而應以他在戲劇表演中追求的精神境界而定。所以,同樣花貨中有人追求古拙,有人追求清秀,也有人追求趣味。藝術家在他們的藝術生涯中,一旦藝術成熟,必然形成他的個人風格,幾個相差無幾的個人風格湊在一起,就成了流派。


  藝術講究的是感覺。一把紫砂貌痔壺造型的優劣,全憑個人的感覺,作壺的講「等樣」、「等勢」,就是造型學講的「均衡」。講許多高深的理論,很可能越講越講不清。不是有句俗話:「只可意會,不能言傳」嗎?藝術上的感覺,全靠心聲的共鳴,心靈的理解,即所謂「心有靈犀一點通」。


  三是「工」:中國藝術有很多相通的地方,例如京劇的舞蹈動作,與國畫的大寫意,是屬於豪放之列;京劇唱段與國畫工筆,則屬於嚴謹之列;而紫砂壺成型技法,乃與京劇唱段、國畫工筆技法,有著同工異曲之妙,也是十分嚴謹的。


  點、線、面,是構成紫砂壺形體的基本原素,在紫砂壺成型過程中,必須交待得清清楚楚,猶貌如工筆繪畫一樣,起筆落筆,轉彎曲折,抑揚頓挫,都必須交待清楚。面,須光則光,須毛則毛;線,須直則直,須曲則曲;點,須方則方,須圓則圓,都不能有半點含糊。否則,就不能算是一把好壺。


  按照紫砂壺成型工藝的特殊要求來說,壺嘴與壺把要絕對在一直線上,並且分量要均衡;壺口與壺蓋結合要嚴緊。這也是「工」的要求。


  四是「款」:款即壺的款識。鑒賞紫砂壺款的意思有兩層:一層意思是鑒別壺的作者是誰,或題詞鐫銘的作者是誰?另一層意思是欣賞題詞的內容、鐫刻的書畫、還有印款(金石篆刻)。


  紫砂壺的裝飾藝術是中國傳統藝術的一部分,它具有中國傳統藝術「詩、書、畫、印」四為一體的顯著特點。所以,一把紫砂壺可看的地方,除泥色、造型、制作工夫以外,還有文學、書法、繪畫、金石諸多方面,能給賞壺人帶來更多美的享受。


  歷來,紫砂昜壺是按人定價,名家名壺身價百倍。在商品社會尤其顯得突出。這樣,市場上就容易出現許多模仿名家之作,偽造的贗品屢見不鮮,選購名壺尤其須要小心。


  五是「功」:所謂「功」是指壺的功能美。近年來,紫砂壺新品層出不窮,如群星璀璨,目不暇接。制壺人講究造型的形式美,而往往忽視功能美的現象,隨處可見。尤其是有些制壺人自己不飲茶,所以對飲茶習慣知之甚少,這也直接影響了紫砂壺功能的發揮,有的壺甚至會出現 「中看不中用」的情況。


  其實,紫砂壺與別的藝術品最大的區別,就在於它是實用性很強的藝術品,它的「藝」全在「用」中「品」,如果失去「用」的意義,「藝」亦不復存在。所以,千萬不能忽視壺的功能美。

  紫砂壺的功能美主要表現在:(一)容量適度;(二)高矮得當;(三)口蓋嚴緊;(四)出水流暢。按目前我國南方人(包括港口)的飲茶習慣,一般二至五人會飲,宜采用容量三百五十毫升為最佳。其容量剛好四杯左右,手摸手提,都只需一手之勞,所以稱「一手壺」。


  紫砂壺的高矮,各有用處。高壺口小,宜泡紅茶;矮壺口大,宜泡綠茶,但又必須適度,過高則茶失味,過矮則茶易從口蓋溢出,使風景大剎。剎風景的還有壺紫出水不暢,幾粒很小的珠茶,到得壺中,均變成大葉,易把出口堵住,現時作壺已根據飲茶人的習慣,把壺嘴改成獨口,使流水明顯比以前通暢。


  要求壺的口蓋嚴謹,能使沖壺水落於茶海而不致落入壺內,看來似乎與功能美關系不大,實際是為講究衛生,也不可不提。凡此種種,都屬功用標准。

 

 

 

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2011年9月9日 星期五

嶺南三傑之——高劍父


來源:北京商報
編輯:因因

 

 

  20世紀初,隨著政治上掀起的火焰,繪畫也導致了革新的運動。在西方藝術思潮的沖擊和近代中國藝術革新運動中逐步形成了「嶺南畫派」,而其創始者高劍父、高奇峰、陳樹人則被並稱為「嶺南三傑」。「嶺南畫派」沖破傳統思想的束縛,反對國畫停滯於仿古的階段,提倡師法自然,注重寫生,融匯中西繪畫之長,以革命的精神和強烈的時代責任感改造中國畫,並保持了傳統中國畫的筆墨特色,創制出有時代精神、有地方特色、氣氛酣暢熱烈、筆墨勁爽豪縱、色彩鮮艷明亮、水分淋漓、暈染柔和勻淨的現代繪畫新格局。其藝術宗旨的確立以及藝術成就的取得,與其創始者的探索是密不可分的。

 

  高劍父(1879-1951)原名麟,字爵廷,廣東番禺人。自幼失去雙親,家境蕭條。少年時在族叔的藥店中做學徒,其族叔能醫善畫,使高劍父從小對繪畫產生了興趣。17歲時,轉入澳門格致書院(今嶺南大學前身),受法國傳教士麥拉指導學習西畫,後又從日本畫家山本梅崖處接觸到日本繪畫。通過與二者交往,高劍父進一步開闊了眼界,接受了外國藝術的滋養,從而初步奠定了他改革傳統中國畫的志向和決心。

 

  1906年東渡日本,考入東京美術學校以求深造。在東京與廖仲愷、何香凝夫婦結識,同住一處。先後加入白馬會、水彩畫會、太平洋畫會等日本繪畫組織,研究日本及歐洲繪畫。同年加入同盟會,任廣東支會會長,多次參加黃花崗起義、光復廣州戰役等民主革命運動。

 

  辛亥革命後加入中華革命黨,致力於聲討袁世凱和護法運動。民國初年與弟弟高奇峰在上海創立審美書館,出版《真相畫報》,宣傳革命思想,倡導美育,推行中國畫的革新運動。孫中山去世後,他多次拒絕國民黨政府及汪精衛偽政府的邀請,公開表示永不做官,專心致力於中國畫的革新和創造。抗戰前,高劍父在廣州設立「春睡畫院」,培養了不少美術人才。後歷任中山大學國畫教授、南京中央大學藝術系教授、廣州市立藝術專科學校校長。1951年6月於澳門病猝,終年72歲。

 

  高劍父活動於辛亥革命的風雷之中,一生致力於中國畫的革新,主張「折衷中西,融會古今」,即一方面折衷於傳統文人畫與院體畫之間,又折衷於中國傳統繪畫與東西方繪畫之間。他在中國畫傳統技法基礎上大膽融入日本和西洋畫法,追求透視、明暗、光線、氣候、空間的表現,尤重色彩或水墨渲染。他既擅長寫意,又能畫工筆,山水、人物、花鳥以致草蟲禽獸,無所不能。其山水氣勢磅礡、秀逸中見剛勁;其花鳥不拘一格,寥寥數筆即生動傳神。抗日戰爭時期,他目睹祖國飽受侵略者摧殘,同胞流離失所、受盡凌辱,遂以無比悲憤的心情創作了《東戰場的烈焰》,期冀喚起民眾的覺醒和抗爭精神。作品以西洋繪畫中的光影處理和素描關系,融進中國的墨筆來表現祖國河山被日本帝國主義轟炸後的情景,滿目瘡痍,一片廢墟。右下角刻有印章:「亂畫哀亂世也。」明顯笢地表現出高劍父的愛國主義和人道主義精神。

 

 

 


2011年9月8日 星期四

清 十九世紀 竹雕人物紋筆筒 落款:吳延康 刻


 



 



 



 




 


 


 


此件直徑12.4cm,高度11.7cm,重量390g。


 


 


作者簡介


 


吳延康(1799  1873)


 


字符生,號康甫、贊府、晉齋,晚號茹芝,室名摩陶軒、問禮  。安徽桐城人。官浙中數十年。與何紹基至交。精金石考據。工書法、篆刻,書作篆隸,亦能畫梅、蘭。